El Mes de la Música Negra puede terminar oficialmente a fines de junio de cada año. Pero durante los últimos 24 años, la celebración anual también se ha extendido a la primera semana de julio gracias al Festival Essence en Nueva Orleans (del 5 al 8 de julio de este año).
Independientemente de cualquier ocasión especial, el ex propietario/presidente de Stax, Al Bell, ha escrito un editorial oportuno sobre el impacto social, económico y cultural de la música negra. Nativo de North Little Rock, Arkansas, Bell se inició en la industria de la música como una personalidad del aire en la primera estación de radio negra de Arkansas, KOKY FM. Después de unirse a Stax en 1965 como director de promociones, Bell convirtió ese puesto en una carrera multifacética en Stax que incluyó períodos como compositor y productor (Staple Singers, Isaac Hayes, Emotions) además de sus roles ejecutivos.
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Hace cinco años, Bell lanzó Al Bell Presents, una compañía de desarrollo/creación de carrera dedicada a desarrollar artistas únicos emergentes mientras preserva el arte de la música negra del pasado. Bell sigue igual de dedicado a asegurarse de que la música negra aproveche al máximo su estatus actual de liderazgo en el género. La misión de mi vida es asegurarme de que la música negra no muera, dice. La música negra tiene una tremenda oportunidad de aprovechar su propio arte para maximizar su impacto económico y su poder.
Lea el editorial de Bells en su totalidad a continuación.
La música negra nació en la cultura afroamericana que se remonta a la esclavitud. Es la única forma de arte musical que es autóctona de América y tiene un atractivo universal. Este sentido de identidad y empoderamiento dirigió mis decisiones comerciales durante mis años en Stax Records en Memphis.
Hay poder en nuestra música, poder en nuestro arte y poder en nuestra perspicacia comercial. Ha llegado el momento de convertir nuestro poder empresarial, nuestro poder creativo y el poder adquisitivo de los amantes de la música en un legado vivo y una riqueza generacional. La clave para convertirse en un súper artista hoy en día parece ser la notoriedad, creando un puente entre la marca personal y la riqueza de la industria.
El director ejecutivo de Stax, Jim Stewart, me pidió que dejara mis populares programas de radio de tiempo de manejo por la mañana y por la tarde en 1965 para convertirme en director de promoción de radio nacional de Stax y ayudar a salvar la compañía. Stax tenía una deuda de $ 90,000 y estaba a punto de hundirse. El acuerdo era que si lo hacía, me darían participación en la empresa. Pude hacerlo en menos de un año.
Dos años más tarde, Warner Bros. compró el distribuidor de Stax, Atlantic Records, y Stewart descubrió que, sin saberlo, había cedido la propiedad de los mayores éxitos de Stax. Ese mismo año, el 10 de diciembre, la estrella de Stax, Otis Redding, y varios miembros de su banda de acompañamiento, The Bar-Kays, murieron en un accidente aéreo. Y el 4 de abril de 1968, el reverendo Martin Luther King Jr. fue asesinado en el cercano Lorraine Motel en Memphis, hogar de una gran cantidad de músicos negros ambulantes. En un período tumultuoso de seis meses, la compañía había perdido a su estrella, a sus maestros multimillonarios ya un amigo cercano.
Ante la desesperación, recurrí a la música en busca de respuestas y aliento. Habíamos perdido nuestro catálogo, pero aún teníamos los tres mejores ingredientes para crear música: artistas, escritores y productores. Stax regresó a los estudios y tres meses después encendió una Soul Explosion, inundando simultáneamente el mercado con 27 álbumes para ayudar a reconstruir el catálogo de las etiquetas. Entre esos lanzamientos se encontraba el álbum seminal de Isaac Hayes, Hot Buttered Soul.
A pesar de poseer cintas maestras y activos de publicación valorados en $ 82 millones en 1975, una bancarrota involuntaria e ilegal del Capítulo 11 obligó a Stax a cerrar e interrumpir su impresionante crecimiento. Después de la quiebra, la propiedad donde originalmente se encontraba Stax se vendió a la Iglesia de Dios en Cristo de Southside. Todavía me maravillo con el legado de la compañía hoy en día, ya que el lote donde una vez estuvo Stax se vendió por un billete de $ 10 y ahora alberga el Museo Stax, la Academia de Música Stax y la Escuela Charter de Soulsville. Habiendo vivido esos días difíciles, la presencia y el éxito de estas instituciones me recuerdan, casi a diario, que todo mi vivir no ha sido en vano.
Como ejecutivo discográfico experimentado y ex propietario de Stax Records, creía saber hacia dónde se dirigía la industria de la música con la introducción de Napster y luego de Spotify a finales de los 90. La industria siempre tuvo que lidiar con alguna forma de contrabando y piratería, lo que resultó en el impulso de la legislación de derechos de autor. En una nueva era diseñada por tecnología avanzada, la industria pasó de fabricar álbumes y CD a ofrecer descargas y transmisión de música. El clima dominante de transmisión de hoy plantea dos preguntas cruciales. Con los cambios constantes en la tecnología y la infraestructura, ¿qué sucede con el avance de la industria de la música y cómo los artistas, ingenieros, productores y la gente de A&R construyen y establecen su riqueza?
USA Today señaló en 2013 que la música hip-hop (solo) generó más de $ 10 mil millones anuales ese año, y que los 20 mejores raperos ganaron más de $ 271 millones al año. En 2018, esa cifra aumentó a más de $ 2.7 mil millones solo para los cinco mejores raperos, según el informe de mayo de la revista Forbes The Forbes Five: Hip-Hops Wealthiest Artists. Jay-Z recientemente encabezó la lista de este año con $900 millones como resultado de una cartera diversificada que incluye Roc Nation, Tidal y una división de coñac. Mientras tanto, Beyonc y su esposo han hecho un trabajo brillante creando propiedad intelectual, desarrollando una marca y creando riqueza generacional. Otros artistas están siguiendo su ejemplo.
La Asociación de Música Country (CMA) ha dominado la monetización de artistas y catálogos mediante la integración de su género con lucrativos acuerdos de colocación de productos y acuerdos de patrocinio con empresas como Procter & Gamble y Colgate-Palmolive. Los estudios publicados de CMA indican que el 42% de los consumidores estadounidenses escuchan música country. Además, la CMA también sabe dónde compran estos consumidores, dónde viven y cuánto ingreso disponible tienen para gastar. Las empresas Fortune 500 también lo hacen.
La música negra es una industria multimillonaria que abarca muchos géneros, desde R&B/soul y gospel hasta jazz y hip-hop. Ha ayudado a dar forma a las carreras de íconos de la música como Elvis Presley, quien siguió al guitarrista y cantante de blues Big Bill Broonzy y al pionero del rock & roll Chuck Berry. Mick Jagger, líder de los Rolling Stones y productor de la película biográfica de James Brown Get On Up de 2014 , ha señalado que estuvo fuertemente influenciado por la electrizante presencia escénica de los Brown.
La misión de mi vida es asegurarme de que la música negra no muera. No es solo música. Debe aceptarse como una forma de arte considerada con el mismo valor que una pintura de valor incalculable, como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci . La industria de la música negra tiene una gran oportunidad de aprovechar su propio arte para maximizar su impacto económico y poder de la misma manera que lo ha hecho la industria de la música country.
Se puede hacer. Como escribí estas palabras hace años, y digo una vez más: te llevaré allí.