En 2019, Orville Peck estaba en boca de todos. Un cantante de country gay que solo apareció con una máscara cubierta con flecos, Peck capturó la atención de la industria con su álbum debut Pony , así como con su EP de seguimiento Show Pony , demostrando ser uno de los artistas alternativos de country de más rápido crecimiento. de la última década.
Explorar
Explorar
orville picotear
Vea los últimos videos, gráficos y noticias
Vea los últimos videos, gráficos y noticias
Y entonces sucedió la pandemia. Entré en una depresión muy oscura y grave durante cuatro o cinco meses, cuenta Peck a Nosotros sobre los primeros días del confinamiento por la COVID-19. Simplemente decidí revisar toda mi vida en ese momento, y debatí la idea de continuar haciendo música o hacer un segundo álbum.
Relacionado
Latin Pride 2022: el artista español PtaZeta sobre la normalización de las letras del mismo sexo en la música rap
Luchando con la idea de la depresión de segundo año y sintiéndose ansioso por su capacidad para estar a la altura de sus propios estándares altos, Peck dice que se encontró escuchando música que le ofrecía cierta familiaridad nostálgica, como Merle Haggard, Jefferson Airplane y Pink Floyd. De repente, la bombilla se encendió.
Dos años y muchas canciones más tarde, Peck está listo para mostrar Bronco , su segundo álbum rebelde y de gran alcance (ya disponible a través de Columbia Records). Con 15 canciones y tres lanzamientos de mini capítulos, el esfuerzo de segundo año de la estrella ve al cantante tomando cambios más grandes dentro de su género, además de adoptar un enfoque de composición más profundo y confesional, al tiempo que logra mantener intacta su estética de vaquero de alto nivel. Para ser honesto, es lo que más me gusta hacer, dice. Y es lo primero de lo que estoy genuinamente orgulloso en mi vida.
A continuación, Nosotros conversa con Peck sobre la remodelación de su enfoque de la composición de canciones, el cambio cultural de lo queer en la música country en los últimos tres años y cómo su trabajo con estrellas como Lady Gaga, Harry Styles y Beyonc lo ayudó a encontrar la validación.
Hiciste mucho durante la pandemia: hiciste una versión del álbum de aniversario de Born This Way para Gagas, abriste para Harry Styles en sus espectáculos de Harryween en el Madison Square Garden y trabajaste con Beyonc para su línea Ivy Park Rodeo. ¿Cómo es para ti trabajar con todos estos artistas masivos?
Ha sido asombroso. Realmente fue solo una cadena de realmente no sé, supongo que no soy alguien que normalmente encontraría validación en cosas como esa, y en realidad desearía poder hacerlo un poco más, porque perpetuó un patrón en el que soy muy duro conmigo mismo. . Pero esa cadena de unos meses, cuando Gaga se acercó, y Beyonc, y estas personas que son tan innegablemente icónicas en esta industria y personas a las que siempre he admirado, no solo por saber quién soy, sino por ser fanático de lo que Lo hago y querer trabajar conmigo, fue muy afirmativo. Borró mucho el síndrome del impostor restante que creo que tenía con toda esa cantidad rápida de éxito. Mentiría si dijera que no fue un impulso maravilloso para mi confianza. Honestamente, me ayudó a generar mucha confianza en este álbum de muchas maneras.
Ha hablado mucho sobre cómo se inspiró en el country de los 70 y el rock psicodélico de California cuando armó Bronco. ¿Qué fue lo que te habló de esos géneros?
Antes de que llegara la pandemia, tenía una idea de lo que iba a ser mi segundo álbum. Y esa idea en realidad se basó en gran medida en, supongo, mucho miedo y ansiedad por todo el asunto de la depresión de segundo año, y el hecho de que sabía que Pony me había ganado todo mi éxito. Estaba muy nervioso porque no iba a hacer algo tan bueno como Pony, y estaba muy nervioso por lo que pensarían los demás. Mi mente estaba en el lugar completamente equivocado al escribir un álbum preocupado por las opiniones de otras personas y la presión que me estaba poniendo a mí mismo.
Cuando llegó la pandemia, entré en una depresión muy oscura y grave durante cuatro o cinco meses. Estaba en una situación realmente mala en cuanto a mis relaciones y en mi vida personal, era realmente infeliz y no estaba en un buen lugar. Simplemente decidí revisar toda mi vida en ese momento, y debatí la idea de continuar haciendo música o hacer un segundo álbum. Lo que realmente salió de eso es que comencé a recordar las cosas que amaba de hacer música; cuando era adolescente, lo que me brindaba mucho consuelo era la música. Así que comencé a escuchar mucha de la música que escuchaba en la escuela secundaria y que no había escuchado en mucho tiempo. Artistas de Bakersfield como Merle Haggard, y mucha más música folk, del lado del country de los años 60 y 70, así como mucho de la psicología de California como Jefferson Airplane y The Mamas & The Papas, incluso algo de Pink Floyd, simplemente volviendo a algunas bandas que no he escuchado en mucho tiempo y buscando algo de consuelo y esa familiaridad nostálgica para consolarme. Al mismo tiempo, estaba usando la composición de canciones por primera vez en años como una especie de liberación catártica, así que creo que la combinación de esas dos cosas se influenció mutuamente. Empecé a escribir estas canciones muy sinceras, casi terapéuticas, como un diario, con el sonido influenciado por esa época de la música que había vuelto a visitar.
Me llamó la atención lo vulnerables que eran las letras en canciones como Let Me Drown y The Curse of the Blackened Eye. ¿Fue un cambio activo difícil de hacer durante el proceso de escritura?
¡Oh sí! Estaba realmente nervioso por eso, pero esa ansiedad solo vino después del hecho, extrañamente. De repente me di cuenta de que tenía un álbum en mis manos, y luego pensé, Oh Dios, eso significa que la gente va a escuchar estas cosas. Hay una canción en el álbum llamada City of Gold que en realidad no tenía intención de poner en el álbum, solo porque la escribí en mi habitación como algo para mí, supongo, para lanzar algunas cosas. Pensé que nunca vería la luz del día porque me sentía muy expuesto. Pero, cuando decidimos que nos gustaba la melodía, la toqué para la banda. Les dije, voy a cambiar todas las letras y quiero poner todos estos grandes instrumentos en ella para que sea esta gran canción, y todos dijeron, No, creo que es bastante buena como está. Yo estaba como, ¡No, es demasiado mortificante! Pero cuando llegamos al estudio, Jay Joyce, el productor, dijo lo mismo y dijo: ¿Por qué no lo intentamos una vez, nos sentamos con la acústica y la tocamos una y otra vez hasta que sientas que estás en tu habitación y nadie está escuchando Y, por supuesto, esa toma final es la que se incluyó en el álbum, su única toma en vivo, y yo llegando a un lugar en el que no sentía ninguna inseguridad y era completamente vulnerable, lo que tenía que suceder.
Siempre me ha fascinado el contraste entre tu vulnerabilidad emocional como compositor y la lente de gran dramatismo, camp y estética queer a través de la cual presentas todo tu trabajo. ¿Es un acto de equilibrio, tratar de lograr ambos objetivos a la vez, o sientes que se complementan entre sí?
Creo que se complementan absolutamente entre sí. Siempre me ha interesado más la intersección entre actuación y sinceridad; siempre es mi lugar favorito para hacer arte y mi tipo de arte favorito que siempre me ha cautivado. Hay quien piensa que, para ser sincero, algo no puede ser además vistoso y performativo. Para mí, creo que es cuando combinas esas dos cosas que casi se vuelve más sincero. Todo el tipo de cosas extra que puse encima de la sinceridad todavía provienen de un lugar auténtico, todo es solo yo siendo yo mismo. Si es auténtico, entonces son completamente complementarios, y es bastante obvio cuando no es auténtico. En lugar de susurrar quién soy, lo estoy gritando.
Orville PeckJulia Johnson*
Bronco también es un gran título, continuando con el tema de Pony y Show Pony. ¿Te ves manteniendo esa racha con futuros álbumes?
¡Sí! Soy alguien que cree en la evolución como artista, y nunca quiero meterme en ningún tipo de límite, así que la respuesta corta es: no sé si será un tema continuo, pero tengo la sospecha de que voy a estar de acuerdo con eso. , por ahora. Encontré una forma útil de titular mis álbumes que pueden expresar y representar en qué parte de la vida estoy. Ese es el proceso con Pony, este fue mi primer álbum pequeño, solitario y asustado, y luego Show Pony fue mi deslumbrante intento de confianza, y ahora Bronco se trata de liberarse y ser indómito y sin restricciones. ¿Quién sabe cuál será el próximo?
Tengo que imaginar que también ayuda casi como una especie de indicación de escritura.
¡Totalmente! También soy muy deliberado sobre lo que hago, y siempre pienso dentro de los términos de mi legado como artista, y no me gusta que nada sea un poco frívolo. Musicalmente, estéticamente, todo está presentado con mucha intención.
La estrategia de marketing de este álbum ha sido realmente fascinante. ¿Por qué decidiste lanzar Bronco en una serie de capítulos de cuatro a cinco canciones?
Bueno, cuando el álbum estuvo terminado y lo envié al sello, estábamos tratando de averiguar cuáles serían los sencillos en la estructura de lanzamiento tradicional en la que lanzas quizás uno o dos. Todos tenían una canción favorita diferente, e incluso esas opiniones cambiaban todo el tiempo, lo cual es un hermoso cumplido para el disco y su diversidad sonora. Sentí que, si sacamos uno de esos por sí solo, no sería capaz de contar la historia de todo el álbum, porque está destinado a reproducirse como un álbum. Entonces, la estrategia se convirtió en una situación en la que elegiríamos deliberadamente ciertas canciones y las lanzaríamos en capítulos para que cada capítulo pudiera ayudar a progresar en la vibra y la historia del álbum para la gente. También se convirtió en nuestra forma disimulada de obligar a la gente a escucharlo, en lugar de simplemente lanzar un sencillo y luego lanzar un álbum completo dos meses después. No parecía que ese proceso típico le hiciera justicia, quería que la gente se sentara y escuchara cada canción con atención.
La otra cosa que ayudó con la transmisión de la narrativa con el álbum fueron los increíbles videos que sacaron con Austin Peters. Me encanta ver a un artista y director convertirse en colaboradores habituales de videos musicales. ¿Qué hay de Austin que te hizo querer seguir trabajando con él?
Austin se ha convertido en uno de mis mejores amigos desde que trabajé con él en Queen of the Rodeo, y estamos totalmente de acuerdo con nuestra estética y nuestras referencias. Trabajamos de una manera tan abreviada que nunca siento que tengo que comprometerme con él. Es tan fácil que se sintió bien tenerlo para hacer todos estos videos conmigo. Además, de esa manera, pudimos trazar un mapa y mantener una continuidad a través de todos los videos. Es mantener todo dentro de la misma idea de los capítulos y la estrategia de lanzamiento. Quería que todo se sintiera coherente al contar la historia de este álbum. Para ser honesto, es mi cosa favorita que he hecho, y la primera cosa de la que estoy genuinamente orgulloso en mi vida.
Desde la última vez que sacaste un álbum en 2019, gran parte del panorama cultural ha cambiado para los artistas queer, obviamente Lil Nas X se ha convertido en este fenómeno cultural, pero también hemos visto a artistas country tradicionales como TJ Osborne salir y mantener su posición en Nashville. escena. ¿Cómo es para ti ver a una persona abiertamente queer trabajando en la escena country?
Es realmente genial. No solo con lo queer, sino también con la raza y el género y todo tipo de cosas diferentes, hay un gran ajuste de cuentas que está ocurriendo específicamente en la música country que se ha retrasado mucho. Lo que es realmente hermoso de ver es que hay muchos de nosotros en la música country que, por alguna u otra razón, fuimos marginados o excluidos de la industria, ya sea por nuestra sexualidad, nuestro género o el color de nuestra piel. Creo que hemos llegado a un punto en el que la máquina de la música country está empezando a aceptar lentamente y se ve obligada a darse cuenta de que no solo tenemos todos asientos en la mesa, sino que los oyentes nos quieren allí y quieren escuchar. nuestras historias Pertenecemos a estos espacios, no solo nos quieren allí, sino que realmente les encanta tenernos.
Es decir, somos artistas esenciales del género; vendemos giras, vendemos discos, y creo que probablemente se necesitó ese nivel de reconocimiento capitalista para que la industria lo aceptara, lo cual no es una sorpresa. Es stty, pero es lo que es. Al mismo tiempo, es muy afirmativo. Cuantos más TJ y más Mickey Guyton y más Brandis y todas estas otras personas que van y cuentan sus historias de manera auténtica sin disculparse, más inspirará a más personas a salir y ser ellos mismos en la música country, y saber que hay lugar para ellos en la mesa. Solo se necesitan algunas personas para mostrar eso, así que creo que es hermoso. Todavía hay mucho trabajo por hacer, pero definitivamente es un panorama totalmente diferente al de hace solo un par de años.
Me encanta que Bronco esté prácticamente construido para ser tocado en vivo. Te vas de gira la próxima semana, ¿estás emocionado de llevar esto a una audiencia en vivo?
Oh, seguro que grabamos casi todas las pistas en un estilo que está destinado a ser en vivo, porque queríamos capturar esa esencia en vivo. Entonces, sí, están escritos para ser tocados en vivo, y estoy muy emocionado porque literalmente han pasado años desde que pude tocar material nuevo en vivo, y simplemente no sé qué esperar. Desearía tener una mejor respuesta sobre lo que la gente puede esperar de esta gira, pero la parte emocionante es que ni siquiera lo sé porque todos vamos a experimentar esto por primera vez juntos, nosotros y el público. Estoy realmente emocionado de ver qué canciones dan qué efecto. Estoy tan, tan emocionada.